4 Lessons in Creativity | Julie Burstein | TED Talks

Translator: Joseph Geni Reviewer: Morton Bast

번역: Yunhi Maeng 검토: Taeyong Kim

On my desk in my office, I keep a small clay pot

제 사무실 책상 위에는 제가 대학 때 만든

that I made in college. It's raku, which is a kind of pottery

일종의 도기인 이 "라쿠"라는 것은

that began in Japan centuries ago as a way of

일본식 다도에 사용하는 용기의 한 형태로

making bowls for the Japanese tea ceremony.

수백년전부터 만들기 시작한 다기입니다.

This one is more than 400 years old.

이런 형태는 400년도 넘은 것입니다.

Each one was pinched or carved out of a ball of clay,

각각의 다기는 점토 덩어리를 손으로 눌러 빚어서 울퉁불퉁한 모양이죠.

and it was the imperfections that people cherished.

사람들은 이 결점을 소중히 여깁니다.

Everyday pots like this cup take eight to 10 hours to fire.

이런 보통 컵 하나를 굽기 위해, 8 내지 10시간 걸려 불을 지핍니다.

I just took this out of the kiln last week, and the kiln itself

이것은 지난주에 가마에서 꺼낸 것인데요,

takes another day or two to cool down, but raku

가마를 식히는데만 하루, 이틀이 걸립니다.

is really fast. You do it outside, and you take the kiln

하지만 굽는 시간은 잠시입니다, 밖에서 빚은 라쿠를

up to temperature. In 15 minutes, it goes to 1,500 degrees,

1,500도로 달구어진 가마에서 15분 동안 구우면 됩니다.

and as soon as you see that the glaze has melted inside,

유약이 도자기속으로 스며들면,

you can see that faint sheen, you turn the kiln off,

희미한 광택이 흐르는 것이 보이는데요,

and you reach in with these long metal tongs,

그때 가마의 불을 끄고, 긴 집게로 꺼냅니다.

you grab the pot, and in Japan, this red-hot pot

일본에서는 이 벌겋게 단 도자기를

would be immediately immersed in a solution of green tea,

즉시 녹차물에 담금니다.

and you can imagine what that steam would smell like.

거기서 나오는 증기의 냄새는 상상하실 수 있을 것입니다.

But here in the United States, we ramp up the drama

하지만, 여기 미국에서는 좀 더 드라마틱하게 합니다

a little bit, and we drop our pots into sawdust,

불에서 꺼낸 도자기를 톱밥에 떨어뜨립니다.

which catches on fire, and you take a garbage pail,

그럼 불이 붙겠죠. 그 위에 철깡통을 덮습니다.

and you put it on top, and smoke starts pouring out.

그러면 연기가 스며 나오기 시작합니다.

I would come home with my clothes reeking of woodsmoke.

저는 온통 연기 냄새를 풍기며 집으로 돌아오곤 하죠.

I love raku because it allows me to play with the elements.

재료를 가지고 이것 저것 할 수 있기 때문에 저는 라쿠를 좋아합니다.

I can shape a pot out of clay and choose a glaze,

흙 덩어리에서 모양을 만들어 내고, 유약을 선택합니다.

but then I have to let it go to the fire and the smoke,

하지만, 그런 다음엔 불이 붙어 연기가 나게 그냥 놔둬야 하죠.

and what's wonderful is the surprises that happen,

그러면, 이런 아름다운 금들이 무늬가 되어 나타나는

like this crackle pattern, because it's really stressful

놀라운 일이 벌어집니다. 도자기에 스트레스가

on these pots. They go from 1,500 degrees

가해지기 때문이죠. 1500도에서 상온으로

to room temperature in the space of just a minute.

1분도 안되어 나오는 것입니다.

Raku is a wonderful metaphor for the process of creativity.

라쿠는 창작의 과정을 나타낼 수 있는 멋진 은유입니다.

I find in so many things that tension between

저는 수많은 것에서 통제할 수 있는 것들과 그냥 둬야 하는 것들

what I can control and what I have to let go

사이에서 일어나는 긴장감을 봅니다.

happens all the time, whether I'm creating a new radio show

그것은 새 라디오 프로그램 작업을 할 때나,

or just at home negotiating with my teenage sons.

아니면 집에서 10대의 제 아들과 협상을 할 때 일 수도 있죠.

When I sat down to write a book about creativity,

창의성에 대한 책을 쓰기 시작했을 때,

I realized that the steps were reversed.

순서가 꺼꾸로 되었다는 것을 깨달았습니다.

I had to let go at the very beginning, and I had to

아주 처음엔 그저 내버려 둬야 했습니다. 그리다가

immerse myself in the stories of hundreds of artists

수백명의 미술가, 소설가, 음악가, 영화 제작자들의 이야기에

and writers and musicians and filmmakers, and as I listened

제 자신이 빠져들어야 했습니다. 이들의 이야기를 들으면서

to these stories, I realized that creativity

창의성은 사람들이 생각하는 것 보다 더 자주,

grows out of everyday experiences

마음을 비우고 놔두는 것을 포함하여,

more often than you might think, including

일상 생활에서 나온다는 것을

letting go.

깨달았습니다.

It was supposed to break, but that's okay. (Laughter) (Laughs)

깨지기로 되어 있었는데, 그냥 놔두죠. (웃음)

That's part of the letting go, is sometimes it happens

이런 것이 실제로 그냥 둬야하는 과정의 일부죠.

and sometimes it doesn't, because creativity also grows

어떤 때는 이런 일이 일어나기도 했다가, 혹은 일어나지 않기도 하죠. 창작은 또한

from the broken places.

어그러진 곳에서도 나오기도 하니까요.

The best way to learn about anything

무엇인가를 배우는 가장 좋은 방법은

is through stories, and so I want to tell you a story

이야기를 통해서 입니다. 그래서 창의성을 발휘하기 위해

about work and play and about four aspects of life

우리가 포용해야 할 인생의 네가지 면과

that we need to embrace

직업이나 활동에 대한

in order for our own creativity to flourish.

이야기를 하나 들려 드리겠습니다.

The first embrace is something that we think,

첫번째는 보통 '이건 쉽지' 라고 생각하는

"Oh, this is very easy," but it's actually getting harder,

것이지만, 이젠 점점 어려워지고 있는 것이죠.

and that's paying attention to the world around us.

그것은 바로 주변 세상에 주의를 집중하는 것입니다.

So many artists speak about needing to be open,

열린 태도나 경험을 받아들여야 하는 필요에 대해서

to embrace experience, and that's hard to do when

많은 예술가들이 말합니다.

you have a lighted rectangle in your pocket that

하지만 그것도 주머니에 있는 스마트 폰에 집중하느라

takes all of your focus.

쉽지 않습니다.

The filmmaker Mira Nair speaks about growing up

영화 감독 미라 나이어는 인도의 작은 마을에서의 성장과정에 대해

in a small town in India. Its name is Bhubaneswar,

이야기합니다. 그 마을은 부베니스와라고 하는데요.

and here's a picture of one of the temples in her town.

여기 그녀의 고향에 있는 사원의 사진들이 있습니다.

Mira Nair: In this little town, there were like 2,000 temples.

미라 마이어: 이 작은 마을엔 2,000개의 이런 사원들이 있었습니다.

We played cricket all the time. We kind of grew up

우리는 항상 크리켓을 하고 놀았죠. 말하자면,

in the rubble. The major thing that inspired me,

돌 더미 속에서 자랐습니다.

that led me on this path, that made me a filmmaker eventually,

결국 제가 결국 영화계로 뛰어들도록 영감을 주었던 것은

was traveling folk theater that would come through the town

마을에 들어오곤 했던 순회 민속 극단이었습니다.

and I would go off and see these great battles

학교 운동장으로 가서, 두명이 연기하던

of good and evil by two people in a school field

선과 악의 대결 장면들을 보곤 했습니다.

with no props but with a lot of, you know,

별다른 도구도 없지만 열정이 가득찬 연기였죠.

passion, and hashish as well, and it was amazing.

물론 대마초도 있었지만, 하여튼 굉장했습니다.

You know, the folk tales of Mahabharata and Ramayana,

마하바라타와 라마야나 경전의 민속 이야기는

the two holy books, the epics that everything comes out of

인도의 모든 것이 기원을 두고있는 서사시라고 합니다.

in India, they say. After seeing that Jatra, the folk theater,

순회 민속 극단의 그 자트라(뱅갈 지방의 전통 민속극)를 보고

I knew I wanted to get on, you know, and perform.

나도 한번 해보고 싶다는 생각을 하게 되었습니다.

Julie Burstein: Isn't that a wonderful story?

쥴리 버스틴: 아름다운 이야기죠?

You can see the sort of break in the everyday.

여기서 일상의 일탈을 볼 수 있습니다.

There they are in the school fields, but it's good and evil,

학교 운동장에서, 선과 악의 이야기가 공연됩니다.

and passion and hashish. And Mira Nair was a young girl

열정과 대마초도 있었죠. 미라 나이어는 이 공연을

with thousands of other people watching this performance,

수쳔명의 관객과 함께 보았던 한 어린 소녀였습니다.

but she was ready. She was ready to open up

하지만 그녀는 마음을 열 준비가 되어 있었습니다.

to what it sparked in her, and it led her,

그 공연이 일으킨 그녀 안의 불꽃을 받아들였고,

as she said, down this path to become

그녀가 말했듯이, 이것이 그녀를 성공한

an award-winning filmmaker.

영화 감독의 길로 이끌었습니다.

So being open for that experience that might change you

자신을 바꿔 놓을지도 모를 경험에 열려 있다는 것이

is the first thing we need to embrace.

우리가 받아들여야 할 첫번째 것 입니다.

Artists also speak about how some of their most powerful work

예술가들은 또한, 가장 영향력 있는 작품들이 어떻게

comes out of the parts of life that are most difficult.

인생의 가장 힘든 시기에 나올 수 있는지에 대해 말합니다.

The novelist Richard Ford speaks about

소설가 리차드 포드는 지금도 싸우고 있는

a childhood challenge that continues to be something

어릴 때부터 겪어온 시련에 대해 얘기합니다.

he wrestles with today. He's severely dyslexic.

그는 심한 난독증을 가지고 있습니다.

Richard Ford: I was slow to learn to read, went all the way

리차드 포드: 저는 학교에 다니던 내내 최소한의 읽기 외에는

through school not really reading more than the minimum,

읽기를 거의 배울 수 없었던 아이였습니다.

and still to this day can't read silently

아직까지도, 소리내어 읽는 것 이상의

much faster than I can read aloud,

속도로는 읽을 수 없습니다.

but there were a lot of benefits to being dyslexic for me

하지만 이 난독증은 저에게 많은 장점도 되었습니다.

because when I finally did reconcile myself to how slow

느리게 읽을 수 밖에 없음을 제 자신이

I was going to have to do it, then I think I came very slowly

마침내 받아들였을 때, 문장에서 단순히

into an appreciation of all of those qualities of language

언어의 인지적 측면외의 다른 본질들을

and of sentences that are not just the cognitive

천천히 이해하게 되었습니다.

aspects of language: the syncopations, the sounds of words,

문장의 축약이나 단어의 소리들,

what words look like, where paragraphs break,

단어들이 어떻게 보이고, 문단이나 문장이 어디서 끊어지는지.

where lines break. I mean, I wasn't so badly dyslexic that

제 난독증이 읽기를 전혀 할 수 없을 정도로

I was disabled from reading. I just had to do it

나쁘지는 않았거든요. 저는 그저

really slowly, and as I did, lingering on those sentences

정말로 느리게 읽어야 했죠. 이렇게 문장을 오래

as I had to linger, I fell heir to language's other qualities,

붙들고 늘어지면서, 언어의 다른 특성들을 알게됐고,

which I think has helped me write sentences.

그 덕분에 제가 글을 쓸 수 있게 되었다고 생각합니다.

JB: It's so powerful. Richard Ford, who's won the Pulitzer Prize,

JB: 대단하군요. 퓰리처상을 받은 리차드 포드는

says that dyslexia helped him write sentences.

난독증 덕분에 그가 작가가 되었다고 말합니다.

He had to embrace this challenge, and I use that word

그는 이런 도전을 포용해야 했습니다. 제가 포용이란 말을 쓴 이유는,

intentionally. He didn't have to overcome dyslexia.

그가 난독증을 그저 극복하려고 한 것이 아니고,

He had to learn from it. He had to learn to hear the music

그것을 통해 배우고자 했기 때문입니다. 언어 속에서

in language.

음악을 들어야 한다는 것을 배운 것입니다.

Artists also speak about how pushing up against

예술가들은 또한 능력의 한계를 끌어올리는 방법에

the limits of what they can do, sometimes pushing

대해 이야기합니다. 할 수 없는 것에 도전하게 만들고,

into what they can't do, helps them focus

그들 자신의 목소리를 찾도록 집중하게 해주는

on finding their own voice.

무언가에 대해서요.

The sculptor Richard Serra talks about how,

조각가 리차드 세라는 학교를 마치고

as a young artist, he thought he was a painter,

플로랜스에 살면서 자신이 화가라고 생각했던

and he lived in Florence after graduate school.

젊은 시절에 대해 이야기합니다.

While he was there, he traveled to Madrid,

그곳에 있는 동안 그는 마드리드를 여행했습니다.

where he went to the Prado to see this picture

스페인 화가 디에고 발라스케스가 그린

by the Spanish painter Diego Velázquez.

이 그림을 보러 프라도 박물관으로 갔습니다.

It's from 1656, and it's called "Las Meninas,"

'Las Meninas"라고 불리우는 1656년 작품인데요,

and it's the picture of a little princess

어린 공주와 공주의 시녀들을 그린

and her ladies-in-waiting, and if you look over

그림입니다. 그리고 공주의 금발이 늘어진

that little blonde princess's shoulder, you'll see a mirror,

어깨 너머로 보이는 거울 속에는 공주의 부모인

and reflected in it are her parents, the King and Queen

스페인의 왕과 왕비가 비춰지고 있습니다.

of Spain, who would be standing where you might stand

그들은 여러분들이 그 그림을 볼만한 곳에

to look at the picture.

서있습니다.

As he often did, Velázquez put himself in this painting too.

벨라스케스는 종종 그림속에 자신을 그려 넣곤 했는데 이 그림에도 등장합니다.

He's standing on the left with his paintbrush in one hand

한 손에는 붓을 다른 한 손에는 팔레트를 들고

and his palette in the other.

왼쪽에 서있죠.

Richard Serra: I was standing there looking at it,

리차드 세라: 그림을 보며 서 있다가

and I realized that Velázquez was looking at me,

벨라스케스가 절 쳐다 보는 걸 깨달았습니다.

and I thought, "Oh. I'm the subject of the painting."

"아! 내가 바로 이 그림의 주제였구나." 라고 생각했죠.

And I thought, "I'm not going to be able to do that painting."

"나는 저런 그림을 그릴 수 없겠구나" 라고 생각했습니다.

I was to the point where I was using a stopwatch

그 시절에 저는, 스톱워치를 들고,

and painting squares out of randomness,

마구잡이로 사각형들을 그려대고 있었습니다.

and I wasn't getting anywhere. So I went back and dumped

저는 아무것도 제대로 하는 것이 아니었습니다. 그래서 돌아와서 아르노에 있던

all my paintings in the Arno, and I thought, I'm going to just start playing around.

제 모든 그림을 없애버렸습니다. 그냥 이것 저것을 해보기로 생각했죠.

JB: Richard Serra says that so nonchalantly, you might

JB: 여러분이 눈치채셨을 지 모르겠지만, 리차드 세라는

have missed it. He went and saw this painting by a guy

아주 태연하게 이야기합니다. 300년전에 죽은 화가가 그린

who'd been dead for 300 years, and realized,

그림을 보고 "아, 나는 못하겠구나" 라고 깨닫고

"I can't do that," and so Richard Serra went back

플러렌스의 화실로 가서 그때 까지 그렸던

to his studio in Florence, picked up all of his work

자신의 모든 작품들을 강속에 던져 버렸다는

up to that point, and threw it in a river.

이야기를 말입니다.

Richard Serra let go of painting at that moment,

리차드 세라는 그 순간 그림 그리기를 놓아버린 겁니다.

but he didn't let go of art. He moved to New York City,

하지만 예술을 포기하진 않았습니다. 뉴욕으로 옮긴 그는

and he put together a list of verbs

'말다, 구기다, 접다' 같은 백개 이상의 단어들을

— to roll, to crease, to fold —

서로 조합해보고, 그가 얘기했듯이

more than a hundred of them, and as he said,

그냥 그것들을 이렇게 저렇게

he just started playing around. He did these things

실험해 보기 시작했습니다. 이런 것들을 모든 종류의 재료를 가지고

to all kinds of material. He would take a huge sheet of lead

해보았죠. 아주 거대한 납 판을 말았다 폈다 해보고

and roll it up and unroll it. He would do the same thing

고무에다가도 그렇게 해보았죠.

to rubber, and when he got to the direction "to lift,"

'들어 올리다' 를 나타내는, 현대 미술관이 소장하고 있는,

he created this, which is in the Museum of Modern Art.

한 작품을 이렇게 만들어 냈습니다. .

Richard Serra had to let go of painting

리차드 세라는 그림 그리기를 떠나 보내야 했습니다.

in order to embark on this playful exploration

그리고 지금의 그를 있게 해준 재미있는

that led him to the work that he's known for today:

탐험을 시작했던 것입니다. 그의 거대한 금속 작품을

huge curves of steel that require our time and motion

감상하려면, 이렇게 시간과 노력을 들여 걸어야 하죠.

to experience. In sculpture,

리차드 세라는

Richard Serra is able to do what he couldn't do in painting.

그림으로 할 수 없었던 것을 조각으로 해냈습니다.

He makes us the subject of his art.

그는 우리를 그의 예술의 주제로 만들었습니다.

So experience and challenge

이렇게 경험, 도전, 한계는

and limitations are all things we need to embrace

창의성을 발휘하기 위해 우리가 받아들여야 할

for creativity to flourish.

것들 입니다.

There's a fourth embrace, and it's the hardest.

이제 네번째 것이 남아있는데요, 가장 어려운 것입니다.

It's the embrace of loss,

그것은 '상실'을 받아들이는 것입니다.

the oldest and most constant of human experiences.

인간의 가장 오래고도 가장 빈번한 경험이죠.

In order to create, we have to stand in that space

창작을 하기 위해선 거절, 아픔, 전쟁, 죽음을 정직하게

between what we see in the world and what we hope for,

바라보면서, 세상에서 우리가 보는 것과

looking squarely at rejection, at heartbreak,

우리가 세상에게 바라는 것 사이의 공간을

at war, at death.

우리가 채워나가야 합니다.

That's a tough space to stand in.

쉬운 일이 아니죠.

The educator Parker Palmer calls it "the tragic gap,"

교육자 파커 파머는 이것을 '비극적 갭' 이라고 부릅니다.

tragic not because it's sad but because it's inevitable,

슬퍼서가 아니라 불가피하기 때문에 비극적이라는 것입니다.

and my friend Dick Nodel likes to say,

제 친구 딕 노델은 다음과 같이 말합니다.

"You can hold that tension like a violin string

"바이얼린 줄 처럼 팽팽한 긴장감을 통해서

and make something beautiful."

아름다운 것들이 탄생한다."

That tension resonates in the work of the photographer

이런 긴장감은 사진작가 죠엘 마이어리츠의 작품에

Joel Meyerowitz, who at the beginning of his career was

잘 나타나 있습니다.

known for his street photography, for capturing a moment

그의 초기 작품들은 순간을 포착한 거리의 모습과

on the street, and also for his beautiful photographs

투스카니, 케이프 코드의 아름답고

of landscapes -- of Tuscany, of Cape Cod,

밝은 풍경을 담아내고

of light.

있습니다.

Joel is a New Yorker, and his studio for many years

죠엘은 무역 센터까지의 건물들이 훤히 내려다 보이는

was in Chelsea, with a straight view downtown

첼시에 그의 스튜디오를 가지고 있던

to the World Trade Center, and he photographed

뉴요커였습니다. 빛의 여러 각도로 이 건물들의

those buildings in every sort of light.

아름다움을 담았습니다.

You know where this story goes.

여러분들은 이야기가 어떻게 흘러 갈지 잘 아실 겁니다.

On 9/11, Joel wasn't in New York. He was out of town,

조엘은 9/11 테러때 뉴욕에 없었습니다. 그러나

but he raced back to the city, and raced down to the site

급히 뉴욕시로 돌아와 초토화된 현장으로

of the destruction.

달려 갔습니다.

Joel Meyerowitz: And like all the other passersby,

조엘 마이어리츠: 저도 다른 구경꾼들처럼

I stood outside the chain link fence on Chambers

챔버가와 그리니지가의 철조망 뒤에 서 있었고

and Greenwich, and all I could see was the smoke

제가 볼 수 있었던 것은 연기와 약간의 잔해 뿐이었습니다.

and a little bit of rubble, and I raised my camera

그래서 자세히 보려고 카메라를 눈에 대는 순간

to take a peek, just to see if there was something to see,

여성 경찰관 한 분이 제 어깨를 치면서

and some cop, a lady cop, hit me on my shoulder,

"사진은 안됩니다" 라고

and said, "Hey, no pictures!"

했습니다.

And it was such a blow that it woke me up,

경찰관의 자연스러운 이런 행동은

in the way that it was meant to be, I guess.

단번에 저를 일깨워 주었습니다.

And when I asked her why no pictures, she said,

그리고 왜 안되는지를 물었습니다.

"It's a crime scene. No photographs allowed."

"범죄 현장은 촬영 금지입니다' 가 그 답이었죠.

And I asked her, "What would happen if I was a member

"제가 만약 기자면 어떻게 되는데요"라고 물었죠.

of the press?" And she told me,

"저기 뒤를 좀 보세요" 라고 경찰관은 답했고

"Oh, look back there," and back a block was the press corps

거기에는 작은 울타리 안에서

tied up in a little penned-in area,

촬영중인 기자단이 보였죠.

and I said, "Well, when do they go in?"

"그럼 기자들은 언제 들어갈 수 있나요?"

and she said, "Probably never."

"아마 절대 안될걸요."라고 그녀는 대답했습니다.

And as I walked away from that, I had this crystallization,

그곳에서 나오며, 뭔가 이것은 일종의 모욕이나

probably from the blow, because it was an insult in a way.

마찬가지라는 생각이 명확해졌습니다.

I thought, "Oh, if there's no pictures,

"만약 사진이 없다면, 기록도 없는 것인데.

then there'll be no record. We need a record."

꼭 기록을 남겨야 해." 라고 생각 했습니다.

And I thought, "I'm gonna make that record.

"내가 기록해야 돼. 이 역사가 그냥 사라지면 안돼.

I'll find a way to get in, because I don't want to

들어갈 방법을 꼭 찾아야 돼, 역사가 사라지는건 안되지."

see this history disappear."

라고 생각했죠.

JB: He did. He pulled in every favor he could,

JB: 그는 할 수 있는 모든 힘을 다해

and got a pass into the World Trade Center site,

무역센타 현장을 출입할 수 있는 허가를 받았습니다.

where he photographed for nine months almost every day.

거기에서 그는 9달 동안 거의 매일 촬영을 했습니다.

Looking at these photographs today brings back

오늘 이 사진들을 보면, 제가 밤에 퇴근해

the smell of smoke that lingered on my clothes

집으로 오면서 묻혀왔던 연기 냄새를

when I went home to my family at night.

다시 기억나게 합니다.

My office was just a few blocks away.

제 사무실이 바로 몇 블럭 떨어져 있었거든요.

But some of these photographs are beautiful,

하지만, 이런 사진들은 아름답죠.

and we wondered, was it difficult for Joel Meyerowitz

우리는 죠엘이 참상으로 부터 이런 아름다움을

to make such beauty out of such devastation?

만들어 내기가 힘들지 않았을까 궁금해 집니다.

JM: Well, you know, ugly, I mean, powerful

JM: 추하고, 강력하고, 비극적이며,

and tragic and horrific and everything, but

공포스럽기도 하고 그렇죠.

it was also as, in nature, an enormous event

하지만, 이것은 또한 본질적으로 어떤 사실이 이런 잔해로 변화된

that was transformed after the fact into this residue,

하나의 거대한 사건입니다.

and like many other ruins

콜롯세움이나 성당 건물의 잔해같은

— you go to the ruins of the Colosseum or the ruins of a cathedral someplace —

다른 잔해들 처럼 말이죠.

and they take on a new meaning when you watch the weather.

그리고 이들은 주위의 날씨에 따라 다른 의미를 갖죠.

I mean, there were afternoons I was down there,

안개가 짙게 깔린 분홍 빛으로 물든 저녁 하늘 아래

and the light goes pink and there's a mist in the air

그 잔해 더미 속에 서 있을 때,

and you're standing in the rubble, and I found myself

저는 자연 고유의 아름다움을 느낌과 동시에

recognizing both the inherent beauty of nature

그 자연이, 시간과 마찬가지로 이 상처를

and the fact that nature, as time,

치유하고 있다는 사실을 깨닫게

is erasing this wound.

되었습니다.

Time is unstoppable, and it transforms the event.

시간은 멈출 수 없는 것이고, 현상을 변화시키죠.

It gets further and further away from the day,

세월이 점점 지나감에 따라

and light and seasons temper it in some way,

빛과 계절은 현상을 다른 것으로 바꾸어 놓습니다.

and it's not that I'm a romantic. I'm really a realist.

제가 로멘틱해서가 아닙니다. 저는 사실 현실주의자입니다.

The reality is, there's the Woolworth Building

현실은 이렇습니다. 그 현장에서의 피어나는 연기의 장막 속에

in a veil of smoke from the site, but it's now like a scrim

울워스 빌딩이 서 있지만, 그것은 이제

across a theater, and it's turning pink,

무대의 커튼과 같습니다. 핑크색으로 변하고 있어요.

you know, and down below there are hoses spraying,

아래에 있는 호스에서는 물보라가 날리고,

and the lights have come on for the evening, and the water

저녁이 되어 불이 밝혀지게 되면 그 물보라는,

is turning acid green because the sodium lamps are on,

나트륨등의 불빛을 받아 형광색으로 빛나게 됩니다.

and I'm thinking, "My God, who could dream this up?"

"신이여, 이런 걸 꿈에라도 꿀 수 있을까요?"라고 생각하죠.

But the fact is, I'm there, it looks like that,

하지만 사실은, 내가 거기 있는 것이고, 실제로 그렇게 보인다는 겁니다.

you have to take a picture.

그 사실은 사진으로 남겨야 합니다.

JB: You have to take a picture. That sense of urgency,

JB: '사진으로 남겨야 한다.' 작업을 해야 한다는 긴박감이

of the need to get to work, is so powerful in Joel's story.

죠엘의 이야기속에서 강력하게 뿜어나옵니다.

When I saw Joel Meyerowitz recently, I told him how much

얼마 전에 그를 만났을 때,

I admired his passionate obstinacy, his determination

저는 관료주의의 모든 관행을 뚫을 수 있었던

to push through all the bureaucratic red tape to get to work,

그의 열정, 끈기, 결단심을 칭송해 주었습니다.

and he laughed, and he said, "I'm stubborn,

그는 "내가 고집불통이기도 하지만. 더 중요한 것은

but I think what's more important

저의 열정적인 낙천성일 겁니다 "

is my passionate optimism."

라고 말하며 웃었습니다.

The first time I told these stories, a man in the audience

이 이야기를 처음 했던 곳에서, 관중 한 분이 손을 들더니

raised his hand and said, "All these artists talk about

이렇게 말하더군요. "이 예술가들은 예술에 대해서가 아니라

their work, not their art, which has got me thinking about

작업에 대해서 말하네요. 그래서 저도 제 일에 대해서,

my work and where the creativity is there,

생각하게 되었지요. 그리고 창의성이 어디에 있을지에 대해서도요.

and I'm not an artist." He's right. We all wrestle

저는 예술인은 아니거든요." 그분이 맞습니다.

with experience and challenge, limits and loss.

우리 모두가 경험, 도전, 한계, 상실과 씨름합니다.

Creativity is essential to all of us,

우리가 과학자, 교사,

whether we're scientists or teachers,

부모, 혹은 사업가 이건간에

parents or entrepreneurs.

창의성은 우리 모두에게 중요합니다.

I want to leave you with another

일본의 다른 다기 하나를 더

image of a Japanese tea bowl. This one

보여드리고 싶습니다. 이것은

is at the Freer Gallery in Washington, D.C.

워싱턴 D.C.의 프리어 갤러리에 전시되어 있습니다.

It's more than a hundred years old and you can still see

100년도 넘은 것인데도 다기를 빚을 때 난

the fingermarks where the potter pinched it.

도기공의 손자국이 보입니다.

But as you can also see, this one did break

그러나 100년을 지나면서 언젠가

at some point in its hundred years.

깨졌었다는 것도 알 수 있습니다.

But the person who put it back together,

하지만 이것을 붙였던 사람은

instead of hiding the cracks,

깨진 자국을 숨기기 보다는

decided to emphasize them, using gold lacquer to repair it.

강조하기로 하고는 그 곳에 금색 유약을 사용했습니다.

This bowl is more beautiful now, having been broken,

이 다기는, 깨졌었기 때문에, 처음 만들었을 때 보다

than it was when it was first made,

지금 더 아름답습니다.

and we can look at those cracks, because

그 도자기의 깨진 금을 보면서,

they tell the story that we all live,

그것이 우리에게 들려주는 이야기를 봅니다.

of the cycle of creation and destruction,

우리 삶에 있어서 창조와 파괴,

of control and letting go, of picking up the pieces

통제와 포기, 그리고 부서진 조각들로부터

and making something new.

새로운 것을 만들어내는 과정을 말이죠.

Thank you. (Applause)

감사합니다. (박수)