Is there a difference between art and craft? - Laura Morelli

芸術と工芸の違いは？ ― ローラ・モレッリ

翻訳: Moe Shoji 校正: Misaki Sato

When you hear the word art,

「芸術」という言葉を聞いて

what comes to mind?

何を思い浮かべますか？

A painting, like the Mona Lisa,

『モナ・リザ』のような絵画？

or a famous sculpture or a building?

それとも 有名な彫刻や建築でしょうか？

What about a vase or a quilt or a violin?

花瓶やキルト ヴァイオリンなどはどうでしょう？

Are those things art, too, or are they craft?

これらも芸術作品なのでしょうか それとも工芸品？

And what's the difference anyway?

そもそも違いは何なのでしょう？

It turns out that the answer is not so simple.

その答えはそれほど簡単ではありません

A spoon or a saddle may be finely wrought,

スプーンや乗馬用の鞍も精巧に 作られている一方

while a monument may be, well, uninspired.

記念碑が面白みに欠けることもよくあります

Just as not every musical instrument is utilitarian,

すべての楽器が実用主義でないように

not every painting or statue is made for its own sake.

あらゆる絵画や彫刻が 芸術のために作られるわけではありません

But if it's so tricky to separate art from craft,

でも 工芸を芸術と切り離すのが そんなに難しいなら

then why do we distinguish objects in this way?

どうしてこのように物を 区別するのでしょうか？

You could say it's the result

これは劇的な歴史的出来事の 結果であるということができます

of a dramatic historical turn of events.

これは劇的な歴史的出来事の 結果であるということができます

It might seem obvious to us today

現在では芸術の巨匠として

to view people, such as da Vinci or Michelangelo,

ダ・ヴィンチやミケランジェロのような 人々をあげるのは

as legendary artists,

想像に難しくありません

and, of course, they possessed extraordinary talents,

彼らは素晴らしい才能の持ち主でしたが

but they also happened to live in the right place

彼らはたまたま然るべき時代に

at the right time,

然るべき場所に生きていたのです

because shortly before their lifetimes

なぜなら 彼らの少し前の時代には

the concept of artists hardly existed.

芸術家という概念そのものが ほとんど存在していなかったからです

If you had chanced to step into a medieval European workshop,

中世ヨーロッパの工房に 足を踏み入れれば

you would have witnessed a similar scene,

同じような光景を目にしたでしょう

no matter whether the place belonged to

その工房の主が

a stonemason, a goldsmith, a hatmaker,

石切り職人か金細工職人 帽子職人

or a fresco painter.

あるいはフレスコ画家であっても 同じでした

The master, following a strict set of guild statutes,

マイスターは 厳しく定められた ギルドのルールに従い

insured that apprentices and journeymen

見習いや熟練工が

worked their way up the ranks

何年も仕事をこなし

over many years of practice

きちんと決められた段階を 達成する中で

and well-defined stages of accomplishment,

確実に腕を上げるよう指導し

passing established traditions to the next generation.

伝統を次の世代へと 引き継いでいったのです

Patrons regarded these makers

パトロンは こうした職人たちを

collectively rather than individually,

１人ひとりでなく 集団として捉えており

and their works from Murano glass goblets,

ムラーノのガラスのゴブレットから

to Flemish lace,

フランドル地方のレース細工まで 彼らの作品は

were valued as symbols of social status,

社会的ステータスの象徴として 価値が見出されていました

not only for their beauty,

美しさのためだけでなく

but their adherence to a particular tradition.

伝統を重んじていたためです

And the customer who commissioned and paid for the work,

作品を注文し お金を払う顧客の方が―

whether it was a fine chair,

それが高級な椅子であろうと

a stone sculpture, a gold necklace,

石の彫刻や金のネックレス

or an entire building,

あるいは建造物であろうと―

was more likely to get credit

それらをデザインしたり 作った者の代わりに

than those who designed or constructed it.

名を残すことが多かったのです

It wasn't until around 1400

1400年頃になって ようやく

that people began to draw a line

人々は芸術と工芸を

between art and craft.

区別し始めました

In Florence, Italy,

イタリアのフィレンツェでは

a new cultural ideal that would later be called

のちにルネサンス人文主義と 呼ばれることになる

Renaissance Humanism

新たな文化的理想が

was beginning to take form.

形を取り始めていました

Florentine intellectuals began to spread the idea

フィレンツェの有識者は ギリシャ・ローマの古典作品を

of reformulating classical Greek and Roman works,

再構成するという考えを広め始め

while placing greater value on individual creativity

その一方で 集団による制作よりも

than collective production.

個人の創造性に重きを置きました

A few brave painters,

何人かの勇気ある画家らは

who for many centuries,

何世紀もの間

had been paid by the square foot,

描いた面積で支払われていた代金を

successfully petitioned their patrons

作品の出来によって支払われるように

to pay them on the basis of merit instead.

パトロンを説得することに成功しました

Within a single generation,

１世代の間に

people's attitudes about objects and their makers

作品やその作者に対する 人々の態度は

would shift dramatically,

様変わりしました

such that in 1550,

それゆえに 1550年に

Giorgio Vasari,

ジョルジョ・ヴァザーリは

not incidentally a friend of Michelangelo,

ミケランジェロの友人でもあったのですが

published an influential book called,

影響力のある書物

"Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors and Architects,"

『画家・彫刻家・建築家列伝』を 出版します

elevating these types of creators

この本は 制作者たちの経歴を

to rock star status by sharing juicy biographical details.

詳しく描き 彼らをロックスターのような 地位に押し上げました

In the mind of the public,

民衆の頭の中では

painting, sculpture and architecture

絵画や彫刻 建築は

were now considered art,

いまや芸術であると考えられており

and their makers creative masterminds: artists.

それらを作った創造的な人々は 「芸術家」だと考えられるようになったのです

Meanwhile, those who maintained

その頃 ギルドの伝統を守り

guild traditions and faithfully produced

忠実に 燭台や

candelsticks, ceramic vessels,

陶製の器

gold jewelery or wrought iron gates,

金の宝飾品や鉄扉を 作っていた人々は

would be known communally as artisans,

全体として「職人」として知られるようになり

and their works considered minor or decorative arts,

彼らの作品は より小規模で 装飾的であるとされ

connoting an inferior status

芸術より低い地位だったので

and solidifying the distinction

西洋世界でいまだに続いている

between art and craft that still persists

芸術と工芸との区別が

in the Western world.

いっそう確かなものになったのです

So, if we consider a painting

ですから レンブラントやピカソの

by Rembrandt or Picasso art,

絵画を芸術だと考えるなら

then where does that leave an African mask?

アフリカの仮面はどうなるのでしょう？

A Chinese porclein vase?

中国の磁器の花瓶は？

A Navajo rug?

ナバホのじゅうたんは？

It turns out that in the history of art,

芸術の歴史において

the value placed on innovation

革新に価値が見出されることは

is the exception rather than the rule.

決まりであるというよりも むしろ例外的なのです

In many cultures of the world,

世界の多くの文化において

the distinction between art and craft

芸術と工芸の区別は

has never existed.

されていません

In fact, some works that might be considered craft,

事実 工芸品であると 考えられそうな

a Peruvian rug,

ペルシャじゅうたんや

a Ming Dynasty vase,

明代の花瓶

a totem pole,

トーテムポール

are considered the cultures' preeminent visual forms.

これらはその文化の傑出した 視覚的表象であると考えられています

When art historians of the 19th Century

19世紀の美術史学者らは

saw that the art of some non-Western cultures

非西洋文化の芸術作品が

did not change for thousands of years,

何千年も変わらず続いていることを見て

they classified the works as primitive,

それらの作品を 原始的なものだと分類し

suggesting that their makers were incapable of innovating

制作者らは革新することができなかったのだとして

and therefore were not really artists.

芸術家ではないと断じました

What they didn't realize was that

ここで彼らが見落としていたのは

these makers were not seeking to innovate at all.

制作者らは革新を起こそうなどと 考えていなかったということです

The value of their works lay precisely

彼らの作品の価値は すなわち

in preserving visual traditions,

視覚的伝統を変えるのではなく

rather than in changing them.

守ることにあるのです

In the last few decades, works such as

ここ2 ～30年の間に

quilts, ceramics and wood carvings

キルトや陶器 木工細工のような作品が

have become more prominently included

美術史のテキストに

in art history textbooks

大きく取り上げられるようになりました

and displayed in museums

数々の絵画や彫刻と一緒に

alongside paintings and sculpture.

博物館に展示されるようにもなりました

So maybe it's time to dispense with vague terms

ですから そろそろ 芸術と工芸のような

like art and craft

曖昧な単語はやめて

in favor of a word like visual arts

「ヴィジュアル・アート」のような

that encompasses a wider array of aesthetic production.

より広範な美的創作活動を含む 言葉を使う時なのかもしれません

After all, if our appreciation of objects

結局のところ 私たちが 作品やその制作者を見る目が

and their makers is so conditioned

文化や歴史によって

by our culture and history,

条件づけられているのだとしたら

then art and its definition

芸術とその定義は

are truly in the eye of the beholder.

見る者の目の中にこそ あるのかもしれません