Paola Antonelli: Why I brought Pac-Man to MoMA

Translator: Joseph Geni Reviewer: Morton Bast

번역: Nathan Chung 검토: K Bang

I'm almost like a crazy evangelical.

전 디자인 얘기만 나오면 거의 광적인 전도사가 돼요.

I've always known that the age of design is upon us,

저는 디자인의 시대가 왔다는 걸 항상 알고 있었습니다.

almost like a rapture.

꼭 휴거가 온 것처럼요.

If the day is sunny, I think,

저는 날씨가 좋으면 이렇게 생각하죠.

"Oh, the gods have had a good design day."

"오~ 오늘은 신이 디자인을 좀 잘 하셨는데?"

Or, I go to a show and I see a beautiful piece by an artist,

전시회를 가서 특히 아름다운 작품을 보고는

particularly beautiful, I say

이렇게 말하곤 하죠.

he's so good because he clearly looked to design

"참 대단해.

to understand what he needed to do.

이건 분명히 디자인에서 영감을 얻었네."

So I really do believe that design

저는 디자인이야말로

is the highest form of creative expression.

최상위의 창조적 표현이라고 믿어요.

That's why I'm talking to you today about the age of design,

그래서 오늘 여러분들께 디자인의 시대에 대해 말씀드리려는 거죠.

and the age of design is the age in which design

디자인 시대의 디자인은 여전히

is still cute furniture, is still posters,

귀여운 가구이며, 포스터이고, 빠른 자동차이기도 합니다.

is still fast cars, what you see at MoMA today.

오늘 보신 모마 전시물 등이죠. (모마: MoMA, 뉴욕 현대 미술관 )

But in truth, what I really would like to explain

하지만 제가 정말로 대중들과 모마 관람객 분들께

to the public and to the audiences of MoMA is that

설명드리고 싶은 건

the most interesting chairs are the ones

가장 흥미로운 의자는

that are actually made by a robot,

로봇이 만든 의자들이라는 겁니다.

like this beautiful chair by Dirk Vander Kooij,

더크 반더 코이(Dirk Vander Kooij)가 만든 이 아름다운 의자처럼요.

where a robot deposits a toothpaste-like slur

이 의자는 로봇이 재활용된 냉장고 부품들로 된

of recycled refrigerator parts,

치약같이 걸죽한 혼합물을

as if he were a big candy, and makes a chair out of it.

큰 사탕을 만들듯이 쌓아서 만든 것입니다.

Or good design is digital fonts that we use all the time

또 좋은 디자인이란 우리가 매일 사용하면서 우리의 정체성 일부를 이루게 된

and that become part of our identity.

디지털 글자체이기도 하죠.

I want people to understand

저는 디자인이

that design is so much more than cute chairs,

단순히 귀여운 의자가 아니라는 것을 사람들이 이해하길 바래요.

that it is first and foremost everything that is around us

가장 중요한 점은 디자인이 우리 삶 주변의

in our life.

모든 것이란 것입니다.

And it's interesting how so much of what we're talking about

재미있게도 오늘 밤 얘기하고 있는 많은 부분이

tonight is not simply design but interaction design.

디자인뿐만이 아니라 상호 작용적 디자인에 대한 것입니다.

And in fact, interaction design is what I've been trying

사실, 상호 작용적 디자인이야말로 제가 지난 몇 년간

to insert in the collection of the Museum of Modern Art

모마의 전시물에 넣으려 했던 건데요.

for a few years, starting not very timidly

몇 년동안, 너무 소극적이지는 않으면서

but just pointedly with works, for instance,

집중적으로 몇 개의 작품들로 시작했죠.

by Martin Wattenberg -- the way a machine

예를 들면, 마틴 와텐버그(Martin Wattenberg)의 작품인데요.

plays chess with itself, that you see here,

보시다시피 기계가 자기 자신과 체스를 둡니다.

or Lisa Strausfeld and her partners, the Sugar interface

또, 리사 스트라우스펠드(Lisa Strausfeld)와 동료들의

for One Laptop Per Child,

"아이들마다 노트북을(One Laptop Per Child)" 위한 Sugar 인터페이스.

Toshio Iwai's Tenori-On musical instruments,

토시오 이와이의 테노리-온 악기들,

and Philip Worthington's Shadow Monsters,

그리고 필립 워딩턴(Philip Worthington)의 그림자 괴물들,

and John Maeda's Reactive Books,

그리고 존 마에다(John Maeda)의 반응하는 책들,

and also Jonathan Harris and Sep Kamvar's I Want You To Want Me.

그리고 조나단 해리스(Jonathan Harris)와 셒 캄바(Sep Kamvar)의"난 네가 날 원하기를 원해."

These were some of the first acquisitions that really

이것들이 상호 작용 디자인의 개념을 대중들에게 도입한

introduced the idea of interaction design to the public.

첫번째 전시물의 일부였습니다.

But more recently, I've been trying really to go even deeper

근데 최근에, 저는 감정적으로 정말 도발적이고

into interaction design with examples

확실한 관점으로

that are emotionally really suggestive

상호 작용 디자인을 설명하는 예를 통해

and that really explain interaction design at a level

더욱 깊숙히 상호 작용 디자인으로

that is almost undeniable.

들어가려고 시도를 했습니다.

The Wind Map, by Wattenberg and Fernanda Viégas,

와텐버그와 페르난다 비에가스(Fernanda Viégas)의 "바람 지도".

I don't know if you've ever seen it -- it's really fantastic.

보셨을지 모르겠지만 -- 정말 환상적입니다.

It looks at the territory of the United States

미국의 영토를

as if it were a wheat field that is procured by the winds

바람이 휩쓸고 지나간 밀밭같이 묘사했습니다.

and that is really giving you a pictorial image

미국의 바람의 흐름을

of what's going on with the winds in the United States.

그림으로 보여주고 있죠.

But also, more recently, we started acquiring video games,

최근에는 비디오 게임을 입수하기 시작했는데

and that's where all hell broke loose

아주 재미있는 방향으로

in a really interesting way. (Laughter)

난장판이 벌여졌죠. (웃음)

There are still people that believe that there's a high and there's a low.

고급과 저급이 따로 있다고 믿는 사람들이 요즘에도 있죠.

And that's really what I find so intriguing

비디오 게임을 모마 전시물에

about the reactions that we've had to the anointment

추가한 것에 대한 사람들의 반응에서

of video games in the MoMA collection.

그런 점을 본 것이 참 흥미로웠습니다.

We've -- No, first of all, New York Magazine always gets it.

뉴욕 매거진(New York Magazine)은 언제나 척 이해를 하죠.

I love them. So we are in the right quadrant.

저는 이 잡지를 너무나 좋아합니다. 저희는 오른쪽 사분면에 있습니다.

We are in the Highbrow -- that's daring, that's courageous --

지식층 분면에 있습니다 -- 대담하고 용감하고

and Brilliant, which is great.

뛰어나다는 평이죠. 그건 참 대단하죠.

Timidly, we've been higher on the diagonal in other situations,

조심스레 말씀드리는데, 다른 때에는 점수가 좀 더 높았지만

but it's okay. It's good. It's good. It's good. (Laughter)

뭐 괜찮습니다. 좋아요. 좋아요. 좋아요. (웃음)

But here comes the art critic. Oh, that was fantastic.

근데 예술 비평가들이 돌격을 하네요. 오, 그것도 꽤 좋았어요.

So the first was Jonathan Jones from The Guardian.

첫번째는 영국 가디언지의 조나단 존스(Jonathan Jones)입니다.

"Sorry, MoMA, video games are not art."

"미안하지만, 모마, 비디오 게임은 예술이 아니다."

Did I ever say they were art? I was talking about interaction design. Excuse me.

제가 그것들이 예술이라고 말한 적이 있나요? 저는 상호 작용 디자인에 대해 얘기한 겁니다. 실례!

"Exhibiting Pac-Man and Tetris alongside Picasso and Van Gogh" --

"피카소와 반 고흐 옆에 팩맨과 테트리스를 전시한다는 것은" --

사실 두 층 떨어져 있습니다. (웃음) --

They're two floors away. (Laughter) —

"예술의 진정한 이해의 종말을 의미한다."

"will mean game over for any real understanding of art."

제가 세상의 끝을 가져오는 겁니다. 그쵸?

I'm bringing in the end of the world. You know?

저희가 아까 휴거에 대해 얘기했죠? 곧 옵니다.

We were talking about the rapture? It's coming.

조나단 존스가 일으키고 있죠.

And Jonathan Jones is making it happen.

그래서 같은 가디언지가 반박합니다,

So the same Guardian rebuts,

"비디오 게임은 예술인가: 해서는 안 되는 논쟁이다.

"Are video games art: the debate that shouldn't be.

지난 주, 미술 비평가 누구 누구가 게임은

Last week, Guardian art critic blah blah suggested

예술로서의 자격이 없다고 주장했다. 그런데 그게 맞는 것일까?

that games cannot qualify as art. But is he right?

그리고 그것이 중요한가?" 그래요. 그것이 중요합니까?

And does it matter?" Thank you. Does it matter?

또 다시 디자인을 예술로 오해하는

You know, it's like once again there's this whole problem

문제가 발생했네요.

of design being often misunderstood for art,

디자이너가 예술가로 불리기를 갈망한다는

or the idea that is so diffuse that designers want to

생각이 많이 퍼져 있습니다.

aspire to, would like to be called, artists.

아닙니다. 디자이너들은 정말 훌륭한 디자이너가 되기를 갈망합니다.

No. Designers aspire to be really great designers.

정말 감사합니다. 그 얘기는 여기서 그만.

Thank you very much. And that's more than enough.

그래서 저의 은빛 기사인 존 마에다 씨가

So my knight in shining armor, John Maeda,

아무 외부 동기없이 비디오 게임이

without any prompt, came out with this big declaration

왜 모마의 일부가 될 자격이 있는지에 대한 큰 선언을 했습니다.

on why video games belong in the MoMA.

정말 잘 했어요. 그게 끝인 줄 알았죠.

And that was fantastic. And I thought that was it.

근데 뉴 리퍼블릭(The New Republic) 잡지에다 리엘 리보비츠(Liel Leibovitz)가

But then there was another wonderfully pretentious article

멋지게 허세스러운 기사를 올렸는데 뭐라고 썼냐하면

that came out in The New Republic, so pretentious,

"모마가 비디오 게임을 예술로 착각했다." 또 그래요.

by Liel Leibovitz, and it said, "MoMA has mistaken video games for art." Again.

"박물관이 팩맨을 피카소 옆에 전시했다." 또 그래요.

"The museum is putting Pac-Man alongside Picasso." Again.

"요점을 놓쳤다."

"That misses the point."

실례지만 요점을 놓친 사람은 그들입니다.

Excuse me. You're missing the point.

그리고 여기 보면, 위의 질문을 직설적으로 썼습니다:

And here, look, the above question is put bluntly:

"비디오 게임은 예술인가? 아니다. 비디오 게임은 예술이 아니다.

"Are video games art? No. Video games aren't art

왜냐하면 완전히 다른 것이기 때문이다. 바로 코드이다."

because they are quite thoroughly something else: code."

그럼 피카소의 작품은 유화 물감이니까 예술이 아니네요. 맞죠?

Oh, so Picasso is not art because it's oil paint. Right?

사람들의 신경을 거슬리게 하고

So it's so fantastic to see

이런 격렬한 반응을 불러 일으킨게

how these feathers that were ruffled,

너무 구경하기 좋았어요.

and these reactions, were so vehement.

이거 아세요?

And you know what?

국제 고양이 비디오 영화제는

The International Cat Video Film Festival

이런 정도의 반응을 불러 일으키지 않았어요. (웃음)

didn't have that much of a reaction. (Laughter)

제 생각에는 진짜 좋았어요.

I think this was truly fantastic.

원래 저희는 춤추는 조랑말 전시를 고려했는데

We were talking about dancing ponies, but I was really jealous

이 축제를 연 워커 예술 센터(Walker Art Center)가 너무 부러웠어요.

of the Walker Arts Center for putting up this festival,

너무 너무 멋졌거든요.

because it's very, very wonderful.

제가 너무 좋아하는 플로베르(Flaubert)의 말입니다:

And there's this Flaubert quote that I love:

"나는 언제나 상아탑에 살려고 노력했지만

"I have always tried to live in an ivory tower,

똥의 파도가 벽을 두들겨

but a tide of shit is beating at its walls,

그걸 무너뜨리려고 하고 있다."

threatening to undermine it."

저는 제 자신이 똥의 파도라고 생각합니다.

I consider myself the tide of shit.

(웃음) (박수)

(Laughter) (Applause)

이런 일은 저희가 감당해야죠.

You know, we have to go through that.

심지어 1930 년대에도 추상 예술 쇼를 준비 중이던

Even in the 1930s, my colleagues

저희 분야 동료들도

that were trying to put together an abstract art show

이건 예술이 아니라고 단정지은

had all of these works stopped by the customs officers

세관 요원들의 저지를 받았죠.

that decided they were not art.

그러니까 이런 일은 예전에도 있었고 미래에도 있을 겁니다.

So it's happened before, and it will happen in the future,

하지만 제가 지금 할 수 있는 말은

but right now I can tell you that I am so, so proud

팩맨이 모마 전시물의 일부라는 것이 너무 너무 자랑스럽다는 것입니다.

to be able to call Pac-Man part of the MoMA collection.

테트리스의 원조 버전에 - 소련산이죠 - 대한 생각도 같습니다.

And the same with, for instance, Tetris, original version, the Soviet one.

이걸 구하는데 든 노력 -

And you know, the amount of work --

예, 알렉세이 파지트노프(Alexey Pajitnov) 씨는 소련 정부에서 일하고 있을 당시

yeah, Alexey Pajitnov was working for the Soviet government

테트리스를 개발했습니다.

and that's how he developed Tetris,

알렉세이씨 본인께서 게임 전체를 재건하셨습니다.

and Alexey himself reconstructed the whole game

심지어 게임이 약간 고장난 것처럼 보이게 하는

and even gave us a simulation of the cathode ray tube

브라운관의 모사도 해주셨어요.

that makes it look slightly bombed.

정말 대단하죠.

And it's fantastic.

이걸 입수하기 위해서는 엄청난 양의 노력이 듭니다.

So behind these acquisitions is an enormous amount of work,

저희는 여전히 근대 미술 박물관이니까

because we're still the Museum of Modern Art,

대중 문화를 다룰 때도

so even when we tackle popular culture,

상호 작용 디자인의 한 형태로 다루죠.

we tackle it as a form of interaction design

그래서 모마의 전시물에 포함되기 위해서는

and as something that has to go into the collection at MoMA,

저희가 연구를 해야 합니다.

therefore, has to be researched.

에릭 샤히(Eric Chahi)의 훌륭한 작품,

So to get to choosing Eric Chahi's

"어나더 월드(Another World) "와 다른 작품들을 선발하려고

wonderful Another World, amongst others,

전문가 위원회를 구성했죠.

we put together a panel of experts,

저희가 이 입수 작업에 참가했는데요.

and we worked on this acquisition,

저, 케이트 카모디(Kate Carmody), 폴 갤러웨이(Paul Galloway) 씨가 주로 했죠.

and it's mostly myself and Kate Carmody and Paul Galloway.

1년 반 일했어요.

We worked on it for a year and a half.

참 많은 분들이 도움을 주셨죠 - 게임 디자이너들,

So many people helped us — designers of games,

제이민 워런(Jamin Warren) 씨 - 아실지도 모르겠습니다 -

you might know Jamin Warren

킬 스크린(Kill Screen) 잡지에서 일하시는 그 분의 헙력자들

and his collaborators at Kill Screen magazine,

또 케빈 슬라빈(Kevin Slavin) 씨. 많죠.

and you know, Kevin Slavin. You name it.

저희가 무지하다는 걸 알았기 때문에 보는 분마다 귀찮게 했죠.

We bugged everybody, because we knew that we were ignorant.

저희는 진정한 게이머가 아니여서

We were not real gamers enough,

그 분들하고 얘기를 많이 했어야 됐어요.

so we had to really talk to them.

당연히 심시티 2000을 입수하기로 결정했습니다.

And so we decided, of course, to have Sim City 2000,

다른 심시티 말고 바로 2000 말이죠.

not the other Sim City, that one in particular,

저희가 작업을 진행하면서 정한 기준은

so the criteria that we developed along the way

아주 엄격했어요. 선택 기준만 정했던 것이 아니라

were really strong, and were not only criteria of selection.

전시 기준 및 보존 기준도 있었습니다.

They were also criteria of exhibition and of preservation.

그렇기 떄문에 입수물을 별거 아닌 게임이나

That's what makes this acquisition more than a little game

장난처럼 취급할 수가 없습니다. 갈수록 더더욱 우리 삶의 일부가 될

or a little joke. It's truly a way to think of how to preserve

유물들을 어떻게 보존하고 전시할지

and show artifacts that will more and more

깊이 생각하게 합니다.

become part of our lives in the future.

우리는 현재 잘 아시다시피 디지털도 아니고

We live today, as you know very well, not in the digital,

물리적이지도 않은, 우리의 마음으로 이 두 개를 섞은

not in the physical, but in the kind of minestrone

일종의 스프 안에서 삽니다.

that our mind makes of the two.

거기가 상호 작용의 본거지이고

And that's really where interaction lies,

거기에서 상호 작용이 아주 중요하죠.

and that's the importance of interaction.

상호 작용을 설명하기 위해서는 사람들의

And in order to explain interaction, we need to really

참여를 권장해서 상호 작용이 어떻게

bring people in and make them realize

우리 삶의 일부가 되는지 깨닫게 해줘야 합니다.

how interaction is part of their lives.

그래서 제가 상호 작용울 얘기할 때는 비디오 게임 얘기만 하지 않습니다.

So when I talk about it, I don't talk only about video games,

어떻게 보면 비디오 게임은 어떠한 기능이나 최종적 결과에도

which are in a way the purest form of interaction,

오염되지 않은 가장 순수한 상호 작용의 형태죠.

unadulterated by any kind of function or finality.

저는 뉴욕 교통 카드(MetroCard) 자판기 얘기도 합니다.

I also talk about the MetroCard vending machine,

이 카드는 제 생각에 상호 작용의 명작입니다.

which I consider a masterpiece of interaction.

인터페이스가 참 아름답습니다.

I mean, that interface is beautiful.

건장한 뉴욕 교통부 직원이 터널 밖으로 나오는 느낌입니다.

It looks like a burly MTA guy coming out of the tunnel.

벙어리 장갑을 낀 채로도

You know, with your mitt you can actually paw

교통 카드를 집을 수 있습니다.

the MetroCard, and I talk about how bad

보통 저는 자판기가 얼마나 엉터리인지 불평합니다.

ATM machines usually are.

제가 사람들한테 가르쳐 주는 것은 상호 작용이

So I let people understand that it's up to them

좋은지 나쁜지 평가를 하는 방법을

to know how to judge interaction

본인들이 알아야 한다는 것입니다.

so as to know when it's good or when it's bad.

제가 심즈를 사람들한테 보여 줄 때는

So when I show The Sims,

심즈와 교류한다는 것의 의미가 무엇인지

I try to make people really feel what it meant

강하게 느끼게 해주려고 합니다.

to have an interaction with The Sims,

그 타마고치에 의한 재미뿐만 (*타마고치: 일본의 전자 애완 동물)

not only the fun but also the responsibility

아니라 책임을 말이죠.

that came with the Tamagotchi.

아무 생각이 필요없는 비디오 게임도

You know, video games can be truly deep

아주 심오할 수 있습니다.

even when they're completely mindless.

카타마리 다마시가 무엇인지 모두 아실건데요.

I'm sure that all of you know Katamari Damacy.

공을 굴려서 가장 많은 수의 물건을

It's about rolling a ball and picking up as many objects as you can

제한된 시간이내에 모으는 것입니다.

in a finite amount of time

잘 되면 공을 행성으로도 키울 수 있어요.

and hopefully you'll be able to make it into a planet.

저는 행성으로 키운 적은 없어요. 게임 내용은 그게 다예요.

I've never made it into a planet, but that's it.

또 미국에는 배포가 안 된 비브리본이 있는데요.

Or, you know, Vib-Ribbon was not distributed here in the United States.

주로 일본 시장을 겨냥한 플레이스테이션 게임이었습니다.

It was a PlayStation game, but mostly for Japan.

사용자가 원하는 음악을 고를 수 있는

And it was one of the first video games

게임의 시초였습니다.

in which you could choose your own music.

플레이스테이션에다가

So you would put into the PlayStation,

자기가 가진 씨디를 넣으면

you would put your own CD,

게임이 음악에 맞춰서 변합니다. 정말 훌륭했죠.

and then the game would change alongside your music. So really fantastic.

이브 온라인(EVE Online)을 빼먹으면 안 되죠.

Not to mention Eve Online.

이브 온라인은 일종의 인공 세계인데요.

Eve Online is an artificial universe, if you wish,

벵가지에서 살해당한 외교관 중의 한 명,

but one of the diplomats that was killed in Benghazi,

스티븐스(Stevens) 외교관 말고 그 분의 협력자 중의 한 분이

not Ambassador Stevens, but one of his collaborators,

이브 온라인에서 거물이었습니다.

was a really big shot in Eve Online,

현실에서 외교관인 사람이

so here you have a diplomat in the real world

아마 자기가 가지고 있는 외교술과

that spends his time in Eve Online

세계 구축에 대한 생각을 시험하기 위해

to kind of test, maybe, all of his ideas about diplomacy

이브 온라인에서 시간을 보냅니다.

and about universe-building, and to the point that

어느 정도였냐하면 폭격에 대한 발표는

the first announcement of the bombing

이브 온라인에서 가장 먼저 나왔습니다.

was actually given on Eve Online,

그 분이 죽은 후, 그 세계의 몇 부분이

and after his death, several parts of the universe

그 분의 이름을 따서 이름이 지어졌습니다.

were named after him.

저는 최근에 레이크야빅에서 열리는 이브 온라인 팬 페스티벌에 갔는데

And I was just recently at the Eve Online fan festival

상당히 놀라웠습니다.

in Reykjavík that was quite amazing.

많은 사람이 보기에 이상한 경험에 대해

I mean, we're talking about an experience

얘기하고 있긴 하지만

that of course can seem weird to many,

아주 유익했습니다.

but that is very educational.

물론, 더 유익한 게임도 있죠.

Of course, there are games that are even more educational.

드워프 포트리스(Dwarf Fortress)는 이런 MMO들의

Dwarf Fortress is like the holy grail

성지라고 할 수 있는데요.

of this kind of massive multiplayer online game,

아담스(Adams) 두 형제가 레이크야빅에 있었습니다.

and in fact the two Adams brothers were in Reykjavík,

그 둘은 모든 이브 온라인 팬들의

and they were greeted

기립 박수 환영을 받았습니다.

by a standing ovation by all the Eve Online fans.

보기에 대단했습니다. 아름다운 게임이기도 하고요.

It was amazing to see. And it's a beautiful game.

그래서 점점 눈에 띄는 것은

So you start seeing here that

모마같은 박물관 전시물에

the aesthetics that are so important

아주 중요한 미학이

to a museum collection like MoMA's

이 게임들을 선택함으로써 유지된다는 점입니다.

are kept alive also by the selection of these games.

밸브사의 포털은

And you know, Valve -- you know, Portal --

특정 폭력을 내재한

is an example of a video game in which

비디오 게임의 본보기입니다.

you have a certain type of violence

자연스럽게 방향을 바꿔서 저희가

which also leads me to talk about

게임들을 입수할 때 고민해야 했던 가장 큰 문제 중 하나인

one of the biggest issues that we had to discuss

폭력을 어떻게 다루는가에 대해서 얘기하죠

when we acquired the video games, what to do with violence.

그렇죠? 결정을 내려야 됐죠.

Right? We had to make decisions.

재미있게도 모마 예술 전시물에는

At MoMA, interestingly, there's a lot of violence

폭력 묘사가 아주 많습니다.

depicted in the art part of the collection,

근데 제가 19 년 전에 모마에 왔을때 전 이탈리안이니까

but when I came to MoMA 19 years ago, and as an Italian,

"베레타 한 자루 필요한데요." 라고 했죠.

I said, "You know what, we need a Beretta."

답은 "안 됩니다. 디자인 전시물에 총은 안 됩니다."

And I was told, "No. No guns in the design collection."

"왜요?" 하고 물었죠.

And I was like, "Why?"

Interestingly, I learned that it's considered

재미있게도, 디자인 분야와 디자인 전시물에서는

겉보기와 의미가 같다는 것을

that in design and in the design collection,

배웠습니다.

what you see is what you get.

그래서 디자인 전시물에 있는 총은 살인 도구입니다.

So when you see a gun, it's an instrument for killing in the design collection.

만약 그게 예술 전시물 사이에 있으면

If it's in the art collection,

살인 도구에 대한 비평이 될 수도 있죠.

it might be a critique of the killing instrument.

참 흥미롭죠.

So it's very interesting.

디자인 분야도 비평적인 면을 점점 띠게 되었는데요.

But we are acquiring our critical dimension also in design,

언젠가는 저희도 총을 입수할 수도 있을 겁니다.

so maybe one day we'll be able to acquire also the guns.

이 구체적인 경우에서

But here, in this particular case, we decided,

우리는 캐이트와 폴과 함께

you know, with Kate and Paul,

무의미한 폭력은 제외하기로 결정했습니다.

that we would have no gratuitous violence.

그래서 포털을 입수한 이유는 새로운 공간 생성을 위해

So we have Portal because you shoot walls

벽을 쏘는 것이고

in order to create new spaces.

스트리트 파이터 2를 입수한 이유는 무술이 유익하기 때문입니다.

We have Street Fighter II, because martial arts are good.

(웃음)

(Laughter)

근데 GTA를 입수하지 않은 이유는

But we don't have GTA because,

제 생각일지도 모르지만

maybe it's my own reflection,

차 사고 내고 창녀와 포주를 총으로 쏘는 것 말고는

I've never been able to do anything but crashing cars

할 수 있는게 없어서이기 때문입니다.

and shooting prostitutes and pimps.

그리 건설적이지 않았죠. (웃음)

So it was not very constructive. (Laughter)

제가 지금은 농담하지만, 이것에 대해

So, I'm making fun of it, but we discussed this

몇 일을 의논했습니다. 상상도 못 하실 거예요.

for so many days. You have no idea.

아직까지도 저는 애매모호합니다.

And to this day, I am ambivalent,

하지만 그런 게임 대신 플로우(Flow)같은 게임을 보면 의심의 여지가 없죠.

but when you have instead games like Flow, there's no doubt.

평온과 절묘함에 대한 것이거든요.

It's like, it's about serenity and it's about sublime.

바다 생명체로 존재하는 의미를 경험하는 것입니다.

It's about experiencing what it means to be a sea creature.

고전이 된 사이드 스크롤러 게임이 몇 개 있죠.

Then we have a few also side-scrollers -- classical ones.

그것은 꽤나 큰 전시물입니다.

So it's quite a hefty collection.

현재로서는 14 개가 있는데요.

And right now, we started with the first 14,

준비 중인게 여러 개 있습니다.

but we have several that are coming up,

저희가 이 게임들을 아직 입수하지 않은 이유는

and the reason why we haven't acquired them yet

저희가 그냥 게임만 입수하는 것이 아니기 때문입니다.

is because you don't acquire just the game.

회사와의 관계도 입수하는 것이죠.

You acquire the relationship with the company.

저희가 원하는 것, 저희가 갈망하는 것은 게임 코드입니다.

What we want, what we aspire to, is the code.

물론 얻기가 아주 힘들죠.

It's very hard to get, of course.

하지만 코드가 있으면 비디오 게임들을

But that's what would enable us to preserve

아주 오랫동안 보존할 수 있습니다.

the video games for a really long time,

그게 박물관이 하는 일이잖아요.

and that's what museums do.

후세를 위해서도 유물을 보존하죠.

They also preserve artifacts for posterity.

만약 코드를 구할 수 없으면

In absence of the code, because, you know,

- 비디오 게임 회사가 언제나 협조적이지는 않죠 -

video game companies are not very forthcoming in some cases,

회사와의 관계를 입수하죠.

in absence of that, we acquire the relationship with the company.

그들과 영원히 함께 있을 겁니다.

We're going to stay with them forever.

우리를 절대 못 버려요.

They're not going to get rid of us.

그리고 어느날, 코드를 얻을 겁니다. (웃음)

And one day, we'll get that code. (Laughter)

상호 작용 디자인의 기준에 대해

But I want to explain to you the criteria that we chose

설명해 드리고 싶습니다. 미학이 아주 중요하죠.

for interaction design. Aesthetics are really important.

이건 "코어 워(Core War)"인데요.

And I'm showing you Core War here,

프로세서의 한계를 미적으로 이용한

which is an early game that takes advantage aesthetically

초창기 게임입니다.

of the limitations of the processor.

여기 보이는

So the kind of interferences that you see here

아름다운 장벽같은 장애물은

that look like beautiful barriers in the game

사실 프로세서가 가진 한계의 결과입니다.

are actually a consequence of the processor's limitedness,

아주 좋죠. 미학은 언제나 중요합니다.

which is fantastic. So aesthetics is always important.

공간도 중요합니다. 게임들의 공간적인 면 말입니다.

And so is space, the spatial aspect of games.

제 생각에 최고의 비디오 게임들은

You know, I feel that the best video games

아주 솜씨좋은 건축가들이 작업한 것들입니다.

are the ones that have really savvy architects

그리고 정식으로 훈련받은

that are behind them, and if they're not architects,

건축가가 아니면 표가 납니다.

bona fide trained in architecture, they have that feeling.

비디오 게임의 공간적 진화는 아주 중요합니다.

But the spatial evolution in video games is extremely important.

시간. 비디오 게임 등의 상호 작용 디자인의 형태에서

Time. The way we experience time in video games,

우리가 시간을 경험하는 방식은

as in other forms of interaction design,

정말 신기합니다.

is really quite amazing.

실시간일수도 있고 "동물의 숲(Animal Crossing)" 같이

It can be real time or it can be the time within the game,

계절들이 자기 고유의 속도에 맞춰 변하는

as is in Animal Crossing, where seasons

게임 내의 시간일 수도 있어요.

follow each other at their own pace.

시간, 공간, 미학,

So time, space, aesthetics,

그리고 가장 중요한 건 행동이죠.

and then, most important, behavior.

상호 작용 디자인의 진짜 본질의 문제는 행동입니다.

The real core issue of interaction design is behavior.

상호 작용을 다루는 디자이너들은 우리 삶 전체에

Designers that deal with interaction design behaviors

영향을 미치는 행동을 디자인합니다.

that go to influence the rest of our lives.

영향이 우리와 스크린의 교류에서 끝나는게 아니죠.

They're not just limited to our interaction with the screen.

지금 보여드리는 것은 "마블 매드니스(Marble Madness)"인데요

In this case, I'm showing you Marble Madness,

아주 아름다운 게임입니다.

which is a beautiful game

조종기는 사용자와 동시에 진동하는 큰 구입니다.

in which the controller is a big sphere that vibrates with you,

그러니까 이 지형에서 움직이는 구가 있고

so you have a sphere that's moving in this landscape,

조종기인 구가 움직임의 느낌을 전해 줍니다.

and the sphere, the controller itself, gives you a sense of the movement.

어떻게 보면, 비디오 게임들은

In a way, you can see how video games

상호 작용 디자인의 가장 순수한 한 단면이고

are the purest aspect of interaction design

상호 작용이 무엇인지 설명하는데 아주 유용합니다.

and are very useful to explain what interaction is.

비디오 게임 관련 용품을

We don't want to show the video games

같이 보여드리기는 싫습니다. 오락실 향수는 거부합니다.

with the paraphernalia. No arcade nostalgia.

무엇보다도 코드를 보여드리고 싶습니다.

If anything, we want to show the code,

여기에 보시면 벤 후라이(Ben Fry) 씨의

and here you see Ben Fry's distellamap of Pac-Man,

팩맨 코드 흐름 지도(Distellamap) 가 있습니다.

of the Pac-Man code.

So the way we acquired the games is very interesting

저희가 게임을 입수한 방식이 아주 흥미로우면서

and very unorthodox. You see them here

비정통적입니다. 여기 보시면

displayed alongside other examples of design,

게임들이 가구 등의 다른 디자인 예와

furniture and other parts,

함께 전시되어 있습니다.

but there's no paraphernalia, no nostalagia,

하지만 관련 용품도 없고 향수도 없습니다.

only the screen and a little shelf with the controllers.

화면과 조종기가 있는 조그만 선반 밖에 없습니다.

The controllers are, of course, part of the experience,

조종기는 물론 경험의 일부이기 때문에

so you cannot do away with it.

제거할 수 없습니다.

But interestingly, this choice was not condemned

그런데 흥미롭게도, 게이머들이 너무 격하게

이 결정을 비난하지는 않았습니다.

too vehemently by gamers.

I was afraid that they would kill us,

저희를 죽일까봐 겁이 났는데요.

and instead they understood, especially

대신 그들은 저희를 이해했습니다.

when I told them that I was trying to apply the same stratagem

제가 필립 존슨(Phillip Johnson)이 1934년에 적용한 전략을 적용한다고

that Philip Johnson applied in 1934

설명하니까 특히 잘 이해했습니다.

when he wanted to make people understand

필립은 사람들이 디자인의 중요성을

the importance of design, and he took propeller blades

깨닫기를 원했습니다. 그래서 모마 갤러리에

and pieces of machinery and

프로펠러와 기계 부품들을 가져와서

in the MoMA galleries he put them on white pedestals

하얀 벽 앞에 있는

하얀 받침대에 올려 놓았습니다. 꼭 브랑쿠시의 조각처럼요.

against white walls, as if they were Brancusi sculptures.

He created this strange distance, this shock,

그는 이 이상한 거리감과 충격을 통해서

디자인된 부품들이 형식적으로 얼마나 아름다운지

that made people realize how gorgeous formally,

and also important functionally, design pieces were.

또 기능적으로 얼마나 중요한지 깨닫게 해주었습니다.

I would like to do the same with video games.

저도 비디오 게임을 이용해 같은 일을 하고 싶습니다.

By getting rid of the sticky carpets and the cigarette butts

끈적한 카펫, 담배 꽁초,

and everything else that we might remember from our childhood,

그리고 그 외의 어린 시절의 기억을 모두 제거함으로서

I want people to understand

게임들이 디자인의 중요한 형태라는 점을

that those are important forms of design.

사람들이 깨닫기를 원합니다.

And in a way, the video games, the fonts and everything else

어떻게 보면, 비디오 게임, 폰트, 그 외 모든 것들은

lead us to make people understand

디자인의 더 큰 의미를

a wider meaning for design.

깨닫게 해줍니다.

One of my dream acquisitions,

제 꿈의 입수물은

which has been on hold for a few years

몇 년 동안 보류되었다가

but now will come back on the front burner,

이제 다시 작업에 들어갈 건데요.

is a 747.

바로 747입니다.

I would like to acquire it, but without owning it.

입수는 하되 소유는 하기 싫습니다.

I don't want it to be at MoMA and possessed by MoMA.

모마에 있으면서 모마가 소유하는 것은 싫습니다.

I want it to keep flying.

계속 비행하기를 원합니다.

So it's an acquisition where MoMA makes an arrangement

그러니까 모마와 비행사와의 주선으로

with an airline and keeps the Boeing 747 flying.

보잉 747 을 계속 비행시키는 입수물입니다.

And the same with the "@" sign that we acquired a few years ago.

저희가 몇 년 전에 입수한 "@" 부호도 같은 예입니다.

It was the first example of an acquisition of something

공공 소유물을 입수한

that is in the public domain.

첫번째 예입니다.

And what I say to people, it's almost as if

제가 사람들한테 하는 말이 있습니다.

a butterfly were flying by

꼭 나비가 날아가고 있는데

and we captured the shadow on the wall,

저희가 벽에 있는 그림자를 잡아서

and just we're showing the shadow.

그냥 그림자를 보여주는 것 같습니다.

So in a way, we're showing a manifestation

어떻게 보면, 정말 중요하면서

of something that is truly important

우리의 정체성의 일부지만,

and that is part of our identity but that nobody can have.

아무도 가질 수 없는 것을 보여주는 것입니다.

And it's too long to explain the acquisition,

입수 과정을 설명하기에는 너무 길지만

but if you want to go on the MoMA blog,

만약 원하시면 모마 블로그에 가시면

there's a long post where I explain why

제가 왜 이게 디자인의 훌륭한 예인지를

it's such a great example of design.

설명하는 긴 글이 있습니다.

Along the way, I've had to burn a few chairs. You know?

이 길을 걸으면서 의자 몇 개와 이별해야 됐습니다.

I've had to do away with a few concepts of design past.

과거의 디자인 컨셉 몇 개를 버려야 했습니다.

But I see that people are coming along,

근데 사람들이 같이 따라오는게 보입니다.

that the audiences, paradoxically,

관중들이 역설적으로

are much more responsive and much more understanding

제 동료 몇 명보다 이 디자인의 확장에 대해

of this expansion of design than some of my colleagues are.

훨씬 더 반응이 좋고 이해심이 깊습니다.

Design is truly everywhere,

정말 디자인은 어디에나 다 있죠.

and design is as important as anything,

그리고 디자인은 다른 분야만큼 중요합니다.

and I'm so glad that, because of its diversity

저는 디자인의 다양성과

and because of its centrality to our lives,

우리 삶에 중심이 된다는 점 때문에

many more people are coming to it

많은 사람들이 디자인을

as a profession, as a passion,

직업으로서, 열정의 대상으로서,

and as, very simply, part of their own culture.

또 단순히 문화의 일부로서 접하는게 무척 기쁩니다.

Thank you very much.

정말 감사합니다.

(Applause)

(박수)